Rentrée littéraire: französische Literatur der Gegenwart

Politische Rhetorik in Trümmern: Mathieu Larnaudie und Nicolas Idier

18.05.26

Die Doppelrezension liest Mathieu Larnaudies „Acharnement“ (2012) und Nicolas Idiers „Matignon la nuit“ (2024) als komplementäre Diagnosen eines strukturell entleerten politischen Diskurses, dessen Form sich vom Adressaten gelöst hat und nun selbstreferentiell zirkuliert. Erzählerisch verdichtet sich dies in zwei radikal reduzierten Handlungen: hier die obsessive Schleife eines zurückgezogenen Redenschreibers, der in der Provinz unablässig Reden entwirft, probt und verwirft, während reale Katastrophen in seine Peripherie einbrechen; dort die Chronik einer einzigen Nacht im Regierungssitz, in der ein Berater unter Zeitdruck eine Rede verfassen soll und sich im Umweg über Begegnungen, Erinnerungen und Abschweifungen immer weiter von ihr entfernt. Anschaulich verdichtet im Bild der Holzestrade, auf der Müller Reden ins Leere probt, und in der nächtlichen Krisenmaschine von Matignon, wo Sprache zu modularen „éléments“ zerfällt, rekonstruiert der Text eine Argumentation, die von konkreten Szenen (Probe, Turnhalle, Krisensitzung) induktiv zu einer übergreifenden These fortschreitet. Zum einen entfaltet die Rezension eine poetologische Vergleichsfigur, indem sie Larnaudies hypotaktische, selbstkommentierende Prosa als mimetische Kritik der Rhetorik liest, während Idiers fragmentierte, kontaminierte Schreibweise als Sabotage und Öffnung des Diskurses erscheint; zum anderen verschränkt sie diese Stilanalyse mit einer strukturellen Parallelisierung von Figurenkonstellation, Handlungslogik und Zeitregime (zirkuläre Wiederholung vs. chrono-dramatische Nacht), sodass Form und Diagnose wechselseitig beglaubigt werden. Die Argumentation ist dialektisch angelegt: Ausgehend von der Freilegung rhetorischer Mechanik (Rhythmus, Punchline, Medialität) führt sie über die Analyse der Sprecherposition (entlassene „plume“ vs. „sous-plume“ im Apparat) und der Publikumsfiguration (Abwesenheit vs. hypermediale Präsenz) zu einer doppelten Aporie, in der entweder das Weiter-Schreiben trotz erkannter Sinnlosigkeit (Larnaudie) oder die Flucht in eine extrarhetorische Geste (Idier) als einzig verbleibende Optionen erscheinen.

➙ Zum Artikel

Odysseus in Paris: Epos ohne Zentrum mit James Joyce

17.05.26

Der Band „Ulysse à Paris“ (Seuil, 2024) unternimmt eine Fortschreibung der homerisch-joyce’schen Traditionslinie, indem er die epische Struktur der Irrfahrt radikal pluralisiert und in das sozial, politisch und historisch aufgeladene Terrain des Pariser Nordens verlegt. Der kollektive Roman, gemeinsam mit der Zeitschrift Cockpit herausgegeben, ist nicht nur eine lose Anthologie, sondern ein ästhetisch wie theoretisch kohärentes Projekt, das literarische Vielstimmigkeit programmatisch als Gegenmodell zur epischen Einheit inszeniert. Statt eines souveränen Helden entfaltet sich ein Geflecht heterogener Stimmen, deren Figuren – von migrantischen Subjekten über feministische Neuformulierungen mythischer Rollen bis hin zu erinnerungspolitisch sensibilisierten Flaneuren – die Odyssee als Erfahrung von Entortung, Prekarität und fragmentierter Identität durchlaufen. Die Rezension arbeitet heraus, wie die einzelnen Beiträge jeweils spezifische homerische Episoden und Joycesche Verfahren transformieren: sei es durch die Entleerung des Heroischen (de Quatrebarbes), die Ironisierung genealogischer Autorität (Fiat), die Politisierung mythischer Gewalt im Kontext des Holocaustgedächtnis (Comment) oder die radikale Subjektivierung marginalisierter Perspektiven (Schavelzon, Noël). Tiphaine Samoyault akzentuiert Erinnerung als Modus einer nie abgeschlossenen Heimkehr. Gabriela Vazquez verdichtet Migration zur epistemischen Perspektive, die das Zentrum konsequent aus der Peripherie heraus denkt. Die Analyse verfolgt die dichte intertextuelle Verschränkung und liest formale Verfahren (Polyphonie, Bewusstseinsstrom, Katalogtechnik) als Träger historischer und ideologischer Bedeutungen. Hierbei wird sichtbar, dass das zentrale Movens des Bandes die Dekonstruktion der Heimkehr ist: Ithaka erscheint nicht mehr als erreichbarer Ort, sondern als leere Signatur, ersetzt durch provisorische, oft prekäre Formen des Ankommens, die weder Identität stabilisieren noch Geschichte versöhnen. Die Rezension selbst folgt damit einer doppelten Bewegung – sie rekonstruiert die genealogische Tiefe des Projekts und insistiert zugleich auf dessen zeitdiagnostischer Schärfe –, wodurch „Ulysse à Paris“ als ein Epos sichtbar wird, das seine eigene Möglichkeit permanent infrage stellt.

➙ Zum Artikel

Diaspora als Bewegung: Manuel Carcassonne

16.05.2616.05.26

Manuel Carcassonnes „Le Retournement“ (Grasset, 2022) setzt mit einem unscheinbaren Satz ein – „Souvent, Nour et moi, nous nous disputions“ – und entfaltet daraus die Geschichte eines Mannes, der erst spät, zwischen Pariser Verlagsbüros und einem Krankenhausbett im Hôpital Cochin, zwischen der Lektüre von Flavius Josephus und den Straßen des zerstörten Beirut, zu der Einsicht gelangt, dass „jüdische Herkunft“ kein neutraler Befund ist, sondern eine existenzielle Zuschreibung. Ausgelöst durch die Begegnung mit Nour, der libanesisch-christlichen Schriftstellerin aus Achrafieh, deren hartnäckige Verwechslung von „israélite“ und „israélien“ das Identitätsproblem exemplarisch zuspitzt, und durch eine persönliche Krise, unternimmt der Erzähler eine assoziative Reise durch die Geschichte der „Juden des Papstes“, durch Familienarchive, philosophische Lektüren und politische Gegenwarten. Die Rezension liest dieses bewusst hybride, zwischen Liebesgeschichte, Essay und historischer Archäologie changierende Buch als literarische Form eines „retournement“: nicht als Rückkehr zu einem Ursprung, sondern als Bewegung der Verschiebung und Überlagerung, in der Identität gerade dort entsteht, wo sie sich eindeutiger Festlegung entzieht. Vom wiederkehrenden Streit am Anfang bis zur erschöpften Schlafgeste am Ende – Nour, die nach der Explosion vom 4. August 2020 durch die Trümmer von Mar Mikhael geht, und der Erzähler, der sie küsst, ohne Antworten gefunden zu haben – zeigt der Text, so die These der Rezension, dass Jüdischsein in der späten Moderne weder Glauben noch Land noch Sprache meint, sondern eine bestimmte Erfahrung von Zeit, Erinnerung und Alterität: eine fortgesetzte Bewegung, die sich im Schreiben selbst vollzieht.

➙ Zum Artikel

Zwischen Leim und Leben: eine Phänomenologie des Buches

15.05.2615.05.26

Michel Julliens „Le Format d’un livre“ (Verdier, 2026) blättert eine ebenso präzise wie sinnlich gesättigte Phänomenologie des Buches auf, die nicht vom Text, sondern vom Objekt ausgeht: vom Gewicht der Seiten, vom Geruch des Papiers, von der Haltung der lesenden Hände. In lose gefügten, erzählerisch grundierten Kapiteln verbindet Jullien buchhistorische Miniaturen – vom Dépôt légal der Renaissance bis zur Typografie der Pléiade – mit autobiografischen Szenen und ethnografisch genauen Beobachtungen des Lesens als körperlicher Praxis. Das Buch erscheint dabei als ein Zeitbehälter eigener Art: Es speichert nicht nur Texte, sondern Spuren gelebten Lebens – Fingerabdrücke, Fundstücke, Gebrauchsspuren – und gewinnt seine Bedeutung aus dem Zusammenspiel von Material, Form, Gebrauch und Erinnerung. Julliens Essay bewegt sich damit jenseits klassischer Gattungen zwischen Dingbeschreibung, Kulturgeschichte und Selbstnarration und macht anschaulich, dass das Buch bereits spricht, bevor es gelesen wird.

➙ Zum Artikel

Demontage deutsch-französischer Geschichtsmythen in Eric Vuillards récits

15.05.2614.05.26

Éric Vuillards „La bataille d’Occident“ (2012) und „L’ordre du jour“ (2017) sind zwei Récits über den Krieg, die den Ersten und den Zweiten Weltkrieg nicht als Nationalgeschichten, sondern als Produkte wechselseitig verschränkter deutsch-französischer Mythologien erzählen: Der deutsch-französische Krieg von 1870/71 bildet dabei den strukturellen Horizont beider Texte, aus dem die komplementären Selbstbilder beider Nationen – die deutsche Rationalitätsmythologie des unaufhaltsamen Militärapparats und der französische „élan“-Mythos der glorreichen Offensive – als traumatische Spiegelreflexe voneinander hervorgehen. Der Aufsatz argumentiert, dass Vuillards literarisches Verfahren wesentlich in einer doppelten Demontage besteht: Er zeigt zum einen, dass die vermeintliche deutsche Effizienz ein Bluff ist – die Panzer der Wehrmacht stehen auf der Straße nach Linz im Stau, Schlieffen verschiebt Papierfiguren über eine vergilbte Landkarte –, und zum anderen, dass der französische Revanchismus in Joffres kulinarischen Elsass-Phantasien kollabiert, während die Soldaten in roten Uniformhosen ins Maschinengewehrfeuer marschieren. Verbindendes Erklärungsmodell ist dabei weder nationale Wesensart noch politischer Irrationalismus, sondern Kapitalinteresse und Klassenlogik: Die vierundzwanzig Industriellen, die 1933 Hitler finanzieren, erscheinen bei Vuillard als zivile Fortsetzung derselben buchhalterischen Rationalität, die Schlieffen seinen Vernichtungsplan als Gewinnspekulation entwerfen ließ. Als Gattung des Récit – einer Hybridform zwischen Essay, Historiographie und Roman – praktiziert Vuillard dabei eine autopoetologisch reflektierte Poetik des Gegen-Archivs, die die verdrängten Namen der Opfer, die kollabierten Mythen der Täter und die fortwirkende Amnesie der Konzerne gegen die Domestizierung der Geschichte zur folkloristischen „déesse raisonnable“ einer erstarrten Geschichtspolitik stellt.

➙ Zum Artikel

Gesellschaft im Modus der Fragmentierung – Literatur als Antwort auf die Krise der Repräsentation: Robert Lukenda

15.05.2612.05.26

Robert Lukendas Studie „Gesellschaftsdarstellung im Zeitalter der Singularitäten: narrative Antworten auf die zeitgenössische Repräsentationskrise Frankreichs“ ist eine umfassende Analyse der Frage, wie französische Gegenwartsliteratur auf die Erfahrung reagiert, dass „Gesellschaft“ als zusammenhängendes Ganzes zunehmend ungreifbar geworden ist. Ausgehend von Szenen wie Annie Ernaux’ ethnografischem Blick auf den Supermarkt oder Éric Vuillards Rekonstruktion namenloser Revolutionsakteure zeigt Lukenda, dass Literatur dort ansetzt, wo politische und mediale Diskurse soziale Wirklichkeit nur verzerrt oder gar nicht mehr erfassen. In einem ersten, breit angelegten Theorieteil entfaltet er die historische und gegenwärtige Repräsentationskrise Frankreichs – von der Spannung zwischen republikanischem Einheitsanspruch und sozialer Ungleichheit bis zur Fragmentierung in „France périphérique“ und Metropolen –, bevor er im zweiten Teil literarische Antworten analysiert: autosoziobiografische Selbstbefragungen (Ernaux, Eribon), dokumentarische Rekonstruktionen (Vuillard), kollektive Erzählprojekte („Raconter la vie“) und serielle Formate. Die Rezension argumentiert, dass Lukenda Literatur überzeugend als ein Medium der „Vermittlung“ bestimmt, das soziale Relationen sichtbar macht, wo klassische Repräsentationsformen versagen; zugleich betont sie kritisch, dass diese Literatur häufig die Perspektive der „Unsichtbaren“ privilegiert, während Eliten, politische Institutionen und ästhetische Eigenlogiken unterbelichtet bleiben. In diesen Werken entsteht das Bild eines Frankreichs, das sich selbst nur unzureichend beschreibt – und einer Literatur, die diese Lücke sichtbar macht, ohne sie vollständig schließen zu können.

➙ Zum Artikel

Ein Thriller als Corneille-Tragödie: Patrick Besson

12.05.2612.05.26

Patrick Bessons Kriminalroman „Presque tout Corneille“ (Stock, 2025, zit. als PTC) funktioniert wie eine Tragödie von Corneille, die sich als Urlaubskomödie verkleidet hat: Georges Charpy, ein entlassener Pariser Journalist, trifft seinen ehemaligen Chef im Hotel Aiglon auf Korsika wieder und beginnt, ihn bei jedem erdenklichen Spiel zu demütigen – Schwimmen, Tennis, Schach, Tischtennis –, getrieben von seiner korsischen Frau Colomba, die wie Mérimées gleichnamige Heldin den Mann zur Vendetta drängt, ohne es je auszusprechen, eine Machtstruktur, die der Aufsatz als das eigentliche Zentrum der Handlung identifiziert. Währenddessen liest Lisa, die Tochter des Hoteldirektors, am Poolrand chronologisch das Gesamtwerk Corneilles – eine Tragödie pro Tag –, und ihre Zitate kommentieren das Geschehen wie ein klassischer Chor: „Qui vit haï de tous ne saurait longtemps vivre“ (aus Cinna). „Qui se laisse outrager mérite qu’on l’outrage“ (aus Héraclius). Sätze, die Corneilles zentrales Thema umkreisen, nämlich die Frage, ob der Mensch das, was er will, mit dem, was er darf, je in Einklang bringen kann, und die im Roman die Funktion haben, die Mordhandlung als moralisch vorherbestimmt erscheinen zu lassen, nicht als Ausnahme, sondern als Konsequenz. Der Chef wird enthauptet aufgefunden, später auch eine zweite Figur; Georges bekennt beide Morde – den ersten aus Ehre, den zweiten aus Eifersucht –, und der Aufsatz liest diesen doppelten Mord als Beleg dafür, dass Besson nicht Corneille in den Thriller einführt, sondern zeigt, dass der Thriller dieselbe moralische Architektur besitzt wie das klassische Theater: Schuld entsteht dort, wo der Wille, sich Genugtuung zu verschaffen, stärker ist als die Vernunft, die zur Mäßigung mahnt, und Lisa, die am Ende Corneille abbricht – „Oui : trop de sang.“ –, vollzieht damit jene Geste, die den Kern des Romans markiert: Literatur kann die Gewalt kommentieren, aber nicht aufhalten.

➙ Zum Artikel

Schönheit, Verderben und literarische Genealogie: Capotes Schuld, Aragons Abschied, Simon Liberati und Taïnés Tod

11.05.26

Simon Liberatis „New York City Inferno“ (Stock, 2026) schließt eine Romantrilogie ab, die mit „Les Démons“ (2020) im Paris der späten 1960er Jahre begann und über das Rom des Jahres 1970 („La Hyène du Capitole“, 2024) ins Manhattan der Jahre 1974–75 führt – ein New York am Wendepunkt zwischen Pop und Punk, zwischen dem letzten Glamour der Nachkriegskultur und der ersten dunklen Ahnung einer Epidemie, die noch keinen Namen hat. Im Zentrum stehen die russisch-stämmigen Geschwister Tcherepakine: Taïné, androgyn, toxikoman, proto-punk avant la lettre, die auf dem Schoner Elseneur in Palma de Mallorca stirbt, und Alexis, der vagabundierende Möchtegern-Schriftsteller, der am Ende Capotes Geld nimmt und das Buch zu schreiben beginnt, das der erste Band der Trilogie bereits ist – eine Möbius-Schlaufe, in der Entstehungsgeschichte und Werk untrennbar ineinandergreifen. Der Aufsatz interpretiert die Trilogie als zirkuläre Struktur: Das Buch, das Alexis am Ende des dritten Bandes ankündigt, trägt denselben Titel wie „Les Démons“, und diese Zirkularität ist eine poetologische Aussage – Literatur entsteht nicht aus der Leere, sondern aus dem Überleben, aus dem Material der Toten. Truman Capote, der im Roman als lebende Leiche erscheint und dem Schüler den apostolischen Auftrag erteilt, ist dabei die Schlüsselfigur: Liberati vollbringt, was Capote mit „Answered Prayers“ nicht konnte, weil der soziale Sieg das Schreiben unmöglich gemacht hatte – er schreibt den amerikanischen Proust als französischen, mit derselben Gesellschaftschronik, demselben Verrat, derselben Überzeugung, dass Klatsch eine literarische Form ist, aber mit der affektiven Aufladung, die Capotes klinischer Ironie fehlt. In dieser Konstellation erhält auch der kurze, halluzinatorisch schöne Auftritt Louis Aragons sein volles Gewicht: Der alte Kommunist, der durch eine beschlagene Fensterscheibe auf ein Balthus-Tableau schaut und Nerval-Verse summt, ist nicht nur eine intertextuelle Geste, sondern der Zeuge des Endes – der letzte Vertreter einer europäischen Literatur des Engagements, der sich von Bérénice (so hieß die Hauptfigur von Aragons „Aurélien“) verabschiedet, die bei Liberati anders als bei Aragon keine historische Märtyrerin ist, sondern eine rein ästhetische Vision der Jugend, die der alte Mann durch Glas sieht und nicht berühren kann, bevor er auf dem Sandweg verschwindet und eine Epoche mit sich nimmt.

➙ Zum Artikel

Die unerreichbare Stadt: Heiligkeit, Geschichte und Gewalt im französischen Jerusalemroman

12.05.2610.05.26

Welchen Ort nimmt Jerusalem in der französischen Gegenwartsliteratur ein – und was verrät dieser Ort über die Literatur selbst? Der vorliegende Aufsatz untersucht elf Romane und Erzähltexte von André Schwarz-Bart bis Nathan Devers, von Valérie Zenatti bis Justine Augier, von Élie Wiesel bis Mathias Énard, und zeigt, dass Jerusalem in diesen Werken nie bloße Kulisse ist, sondern strukturierendes Prinzip: eine Stadt, die den Figuren die Orientierung nimmt, Verdrängtes zurückbringt, Zugehörigkeiten aufzwingt und Formen sprengt. Aus dem Vergleich treten drei Funktionstypen hervor – Jerusalem als eschatologischer Raum, als politischer Brennpunkt und als existentieller Spiegel –, die sich quer durch die Texte verteilen und überlappen, ohne je zur Deckung zu kommen. Dabei erweist sich eine spezifisch französische Optik als konstitutiv: Der republikanische Laizismus, das Erbe der Aufklärung, die Erfahrung der Shoa als Teil der eigenen Geschichte – all das färbt die Wahrnehmung einer Stadt, die für Judentum, Christentum und Islam gleichermaßen heilig ist und deren dreifache Heiligkeit seit Jahrhunderten Kriege ebenso wie Sehnsüchte produziert hat. Einen eigenen Akzent setzen arabische und muslimische Autoren wie Karim Kattan, Amin Maalouf oder Adania Shibli, die Jerusalem nicht als Ankunftsort einer langen Sehnsucht beschreiben, sondern als Ausgangspunkt erzwungenen Exils – und die das Französische als strategisch gewähltes Medium nutzen, um palästinensische Begriffe und Erfahrungen in einen westlichen Diskurs einzuschreiben, der sie sonst nicht kennt. Was die untersuchten Werke jenseits aller Unterschiede verbindet, ist das Bewusstsein, dass Jerusalem sich dem souveränen Erzählerblick entzieht: Keiner dieser Texte triumphiert über seinen Gegenstand; alle tragen die Spuren des Ortes, an dem sie gescheitert sind.

➙ Zum Artikel

Krieg als Erbe: Zur Systematik transgenerationeller Prägung bei Julia Weidmann

12.05.2607.05.26

Die Rezension stellt Julia Weidmanns Studie „Kontinuum der Kriege: intergenerationelles Erzählen der Weltkriege in der französischen Gegenwartsliteratur“ (Winter, 2025) als grundlegende, komparatistisch angelegte Untersuchung eines zentralen Phänomens der französischen Gegenwartsliteratur vor: des intergenerationellen Erzählens der Weltkriege. Ausgangspunkt ist die Beobachtung, dass Nachgeborene – von der „Wunde“- bis zur „Erbe“-Generation – familiale Kriegserfahrungen in literarischer Form rekonstruieren, indem sie zwischen archivalischer Recherche und Imagination vermitteln. Weidmann entwickelt hierfür ein eigenständiges Modell eines „Kriegskontinuums“, das die tradierten numerischen Generationenkategorien durch eine metaphorische, am Trauma orientierte Skalierung ersetzt, und operationalisiert dieses Konzept in einer vierstufigen Analysemethode, die sie auf ein breit gefächertes Korpus von Autorinnen und Autoren (u.a. Claude Simon, Patrick Modiano, Ivan Jablonka, Anne Berest) anwendet. Die Rezension würdigt insbesondere die methodische Klarheit, die differenzierten close readings und den Nachweis wiederkehrender Erzählstrukturen über Generationen hinweg, hebt aber auch begrenzte Schwächen hervor, etwa eine gewisse Schematisierung im komparatistischen Seitenblick und die vergleichsweise randständige Behandlung ästhetischer Detaildimensionen. Insgesamt erscheint die Studie als ein substantieller Beitrag zur literaturwissenschaftlichen Gedächtnisforschung, der ein tragfähiges Instrumentarium zur Analyse transgenerationeller Erinnerung bereitstellt und zugleich neue Perspektiven für die Erforschung zukünftiger Erzählformen eröffnet.

➙ Zum Artikel

Schreiben gegen den Tod des Geliebten: Céline Zufferey

05.05.2605.05.26

Céline Zuffereys Roman „Maxence“ (Gallimard, 2026) ist ein fragmentarisch komponiertes Schreibprojekt, das aus der antizipierten Trauer um den Geliebten hervorgeht und sich jeder konventionellen Liebesnarration verweigert: In lose gefügten Kapiteln – Listen, Miniaturen, Beobachtungen, Reflexionen – entsteht das Porträt eines Mannes, das zugleich Liebesbericht, Gedächtnisexperiment und poetologische Selbstbefragung ist, getragen von der zentralen Spannung zwischen dem Wunsch, das Vergängliche festzuhalten, und der Einsicht in die prinzipielle Unzulänglichkeit sprachlicher Fixierung. Die Erzählerin schreibt gegen den zukünftigen Verlust an, indem sie Körper, Stimme, Gesten und Alltagspraktiken Maxences minutiös registriert, dabei jedoch zunehmend reflektiert, dass jede Beschreibung reduktiv bleibt und das Lebendige in ein potenzielles „Tombeau“ verwandelt. Die Interpretation arbeitet heraus, dass gerade diese Einsicht in das eigene Scheitern zum ästhetischen Prinzip wird: Die Form des Fragments, die rhapsodische Zeitstruktur und die wechselnde Adressierung (zwischen dritter Person und intimem „tu“ an den lebenden wie den antizipiert toten Maxence) sind nicht bloß stilistische Mittel, vielmehr notwendige Antworten auf das ethische und epistemologische Dilemma des Textes. Indem die Besprechung die vier Lektüreachsen – Liebesbericht, Erkenntniskritik, Autopoetik und Zeitreflexion – systematisch freilegt und zugleich die semantischen Felder von Körper, Archiv und Prolepsis bündelt, legt sie im Roman eine Poetik der Vortrauer frei, in der der Tod nicht als Ereignis erscheint, sondern als permanente Einschreibung in die Gegenwart, die zu einer Intensivierung des Alltäglichen führt: Das Schreiben, das den Verlust bannen soll, wird so selbst zum Medium einer gesteigerten Gegenwärtigkeit, ohne den grundlegenden Widerspruch zwischen Leben und Aufzeichnung je aufzulösen.

➙ Zum Artikel

Francesco Petrarca und die Seinen: Étienne Anheim

12.05.2602.05.26

Étienne Anheims „Pétrarque: portrait de famille“ (Minuit, 2026) rekonstruiert das literarische Projekt Francesco Petrarcas als Ergebnis dichter familiärer Verflechtungen und versteht dessen Werk als ein diskursives „Familienporträt“, in dem genealogische Konstruktion, soziale Einbettung und poetische Selbststilisierung untrennbar ineinandergreifen. Auf der Grundlage einer Verbindung von Textlektüre und Archivforschung zeigt Anheim, wie Petrarca seine Herkunft entlang einer patrilinearen Notarsgenealogie mythisiert, während er zugleich zentrale Figuren – insbesondere Mutter, Tochter und die Mütter seiner Kinder – systematisch marginalisiert oder zum Schweigen bringt. Die Konstellationen von Vater (als zu überwindendes Berufsmodell), Bruder (als spirituelles alter ego), Laura (als reale Leerstelle, imaginäre Geliebte und symbolische Chiffre der Dichtung) sowie Kindern und Freunden entfalten sich als strukturierende Relationen, in denen Petrarca seine Autoridentität formt. Dabei erscheint das Schreiben stets als adressierte, fragmentarische Praxis innerhalb einer erweiterten „familia“, die sich aus Verwandten, Korrespondenten und literarischen Nachfolgern zusammensetzt. Die Spannungen zwischen archivalisch rekonstruierbarer Sozialgeschichte und literarischer Selbstinszenierung werden von Anheim nicht aufgelöst, sondern als produktiver Ort begriffen, an dem Petrarca seine eigene Genealogie erfindet und zugleich das Modell moderner Autorenschaft begründet – ein Modell, das auf selektiver Erinnerung, symbolischer Überformung und der Transformation familiärer Bindungen in literarische Transmission beruht.

➙ Zum Artikel

Austausch und Unverständnis: Jacques Decour, Philisterburg

06.05.2601.05.26

Jacques Decours „Philisterburg“ (1932, Éds. Allia, 2023) ist paradigmatisch als Text einer Poetik des „Dazwischen“: ein hybrides Werk zwischen Tagebuch, Essay, Reisebericht und politischer Diagnose, das aus der Perspektive eines jungen französischen Germanistikstudenten das Deutschland der späten Weimarer Republik erkundet und zugleich die epistemischen Bedingungen dieser Beobachtung reflektiert. Im Zentrum steht dabei nicht eine einseitige Darstellung des Fremden, sondern die produktive Spannung zwischen Nähe und Distanz, zwischen Teilnahme und kritischer Selbstbefragung, die sich sowohl formal – in der Verschränkung von narrativen und essayistischen Passagen – als auch inhaltlich manifestiert. Decours Text entfaltet ein dichtes Panorama gesellschaftlicher, politischer und kultureller Kräfte, in dem Figuren weniger als Individuen denn als Träger struktureller Positionen im deutsch-französischen Beziehungsgefüge erscheinen. Besondere Aufmerksamkeit gilt dabei der Rolle von Sprache und Übersetzung als Ort des Missverstehens wie der Erkenntnis, der Analyse von Stereotypen und Feindbildern sowie dem Vergleich unterschiedlicher Bildungssysteme als Ausdruck divergierender Weltverhältnisse. Vor dem Hintergrund der sich zuspitzenden politischen Lage um 1930 gewinnt die Darstellung eine prophetische Schärfe, ohne je in deterministische Eindeutigkeit zu verfallen. Die Rezension arbeitet heraus, wie Decour das „Dazwischen“ nicht als harmonische Synthese, sondern als konflikthaften, erkenntnisgenerierenden Raum begreift, in dem kulturelle Differenz sichtbar und denkbar wird – und wie gerade diese literarische Haltung dem Text seine anhaltende Aktualität und intellektuelle Dringlichkeit verleiht.

➙ Zum Artikel

Brücken bauen, Gräben vertiefen: Pauline Dreyfus

01.05.26

Pauline Dreyfus’ „Un pont sur la Seine“ (2025) entfaltet, ausgehend von der Katastrophe eines Fährunglücks im Jahr 1828, die über Generationen gespannte Geschichte zweier durch die Seine getrennter Dorfgemeinschaften, deren Schicksale sich im Bau, der Zerstörung und dem Wiederaufbau einer Brücke verdichten: Anhand der Familie Vernet und ihrer genealogischen Verzweigungen verfolgt der Roman die Transformation vom agrarischen Milieu zur Industriegesellschaft und weiter in die postindustrielle Gedächtniskultur, wobei historische Einschnitte – Kriege, Volksfront, Okkupation, Deindustrialisierung – als strukturierende Kräfte in die Lebensläufe eingeschrieben werden. Zugleich insistiert die Erzählung auf ihrer eigenen Künstlichkeit: Figuren erscheinen weniger als psychologisch singuläre Individuen denn als typisierte Träger sozialer Positionen, deren Konflikte – etwa zwischen Winzer und Fabrikarbeiter, Résistance-Erbin und Erinnerungspolitiker – die Persistenz gesellschaftlicher Spaltungen sichtbar machen. Der Aufsatz arbeitet heraus, wie das zentrale poetische Prinzip des Romans in der mehrdimensionalen Konstruktion der Brücke liegt: als historisches Objekt, topographische Achse, soziales Diagnoseinstrument und philosophische Metapher, die im Sinne einer selbstreflexiven Geschichtspoetik gerade nicht Versöhnung stiftet, sondern Differenz produziert und sichtbar macht. In dieser Dialektik von Dokumentation und Fiktion, von historischer Genauigkeit und ironischer Distanz erweist sich Dreyfus’ Text als bewusste Fortschreibung und zugleich kritische Brechung der Tradition des historischen Gesellschaftsromans: Er demonstriert, dass die großen Narrative von Fortschritt und Verbindung an den mikrosozialen Realitäten scheitern und dass jede Form von Geschichtserzählung – im Roman wie im von ihm entworfenen Museumsprojekt – notwendig ihre eigene Konstruktionslogik mitreflektieren muss.

➙ Zum Artikel

Israel, Gaza und der französische Intellektuellendiskurs nach dem 7. Oktober: Deutungshoheiten bei Denis Sieffert

30.04.2630.04.26

Die Rezension analysiert die französische Intellektuellendebatte nach dem 7. Oktober 2023 als ein zutiefst polarisiertes Diskursfeld, in dem sich drei zentrale Positionen herausgebildet haben: ein dominantes pro-israelisches Lager, ein marginalisiertes propalästinensisches Spektrum sowie eine fragile, lange kaum hörbare Zwischenposition. Im Zentrum steht Denis Siefferts Buch „La mauvaise cause“ (2026), das als engagierte Gegenrede gegen eine aus seiner Sicht hegemoniale, pro-israelische Diskursordnung gelesen wird. Die Rezension rekonstruiert detailliert Siefferts Argumentation – von der historischen Verflechtung Frankreichs mit Israel über die Analyse medialer und rhetorischer Mechanismen bis hin zur Kritik prominenter Intellektueller wie Gilles Kepel und Eva Illouz – und arbeitet heraus, dass sein zentraler Einsatzpunkt in der Re-Politisierung des Konflikts als Kolonialfrage liegt. Im Vergleich mit Kepels geopolitisch-religionswissenschaftlichem Ansatz und Illouz’ soziologischer Kritik an der westlichen Linken zeigt die Rezension die fundamentalen epistemischen Differenzen dieser Positionen auf: Während Kepel und Illouz die Reaktionen auf den 7. Oktober problematisieren, richtet Sieffert den Blick auf die Mechanismen der Diskursmacht und die Unsichtbarmachung palästinensischen Leids. Abschließend bewertet die Rezension das Buch als wichtige, wenn auch nicht unproblematische Intervention, die exemplarisch die politischen, medialen und moralischen Bruchlinien des gegenwärtigen Frankreich offenlegt.

➙ Zum Artikel

Brückenschlag und Selbstkorrektur: Ernst Robert Curtius

12.05.2627.04.26

„Die literarischen Wegbereiter des neuen Frankreich“ von Ernst Robert Curtius eröffnet als Produkt der unmittelbaren Nachkriegszeit aus der Erfahrung politischer Niederlage heraus einen bewusst gegenläufigen, europäisch orientierten Deutungsraum: Indem Curtius 1918/20 zentrale französische Autoren (Gide, Rolland, Claudel, Suarès, Péguy) als Träger einer geistigen Erneuerung präsentiert, betreibt er weniger neutrale Literaturvermittlung als eine kulturpolitische Intervention gegen nationale Ressentiments und stereotype Frankreichbilder. Die Rezension arbeitet heraus, dass Curtius’ Argumentation auf einer doppelten Bewegung beruht: einerseits der Dekonstruktion des deutschen Klischees vom rationalistischen, „lateinischen“ Frankreich durch den Nachweis transnationaler, insbesondere auch „germanischer“ Einflüsse; andererseits der Konstruktion eines „wahren Frankreichs“, das als pädagogische Projektionsfläche für ein erneuertes, europäisch gewendetes Deutschland stehen kann. Dabei wird die Spannung zwischen dokumentierter Feindschaft (etwa bei Suarès) und programmatischer Überblendung durch den Europagedanken nicht nivelliert, sondern als produktiver Widerspruch gelesen. Kritisch markiert die Rezension zugleich die selektive Anlage und die lebensphilosophische Wertungshierarchie des Buches, die bestimmte Strömungen ausblendet und andere normativ überhöht. Insgesamt erscheint Curtius’ Studie so als ein zugleich zeitgebundenes und methodisch wegweisendes Unternehmen: als rhetorisch gesteuerte Selbstkorrektur nationaler Wahrnehmung, die Literaturwissenschaft in den Dienst einer intellektuellen Verständigung stellt.

➙ Zum Artikel

Die Sitcom-Diktatur: politisches Denken, literarische Form, Machiavelli und Giorgia Meloni bei Hélène Frappat

27.04.2627.04.26

Der Roman „Nerona“ (2025) von Hélène Frappat entwirft die Herrschaft einer rechtspopulistischen Diktatorin als ein zugleich groteskes und erschreckend präzises Modell politischer Gegenwart: In einer namenlosen europäischen Nation regiert Nerona mittels Dekreten und medialer Dauerinszenierung, während eine polyphone, fragmentierte Erzählstruktur – Reden, Interviews, prophetische Gesänge, Filmszenen – die Gleichzeitigkeit von Macht, Gewalt und Verdrängung sichtbar macht; zentrale Motive sind die Mythisierung der eigenen Herkunft, die systematische Konstruktion von „Feinden im Inneren“, die Pervertierung humanitärer Diskurse etwa im Migrationslager sowie die Eskalation zur apokalyptischen Selbstzerstörung, die in der Figur des Matricidiums und im Nero-Topos kulminiert. Die Rezension argumentiert dabei, dass Frappats literarische Form selbst Erkenntnis produziert: Indem sie Populismus als „Sitcom“ modelliert – als endlose Wiederholung affektiver und rhetorischer Muster ohne Lernfähigkeit –, verbindet sie Gattungspoetik mit politischer Theorie; zugleich liest die Rezension den Roman als machiavellistische Parodie, in der klassische Begriffe wie „virtù“ oder „fortuna“ in zynische Managementlogiken überführt werden. Die Verschränkung von Diskursanalyse und Ästhetik wird herausarbeitet: Die Vielstimmigkeit fungiert als demokratischer Gegenentwurf zum monologischen Populismus, während die Figur Neronas als Verdichtung realer politischer Akteurinnen (insbesondere Giorgia Meloni) lesbar wird, ohne in bloße Satire zu verfallen. Insgesamt zeigt die Interpretation, dass Frappats Roman weniger eine dystopische Übertreibung als vielmehr eine Diagnose ist: Populistische Herrschaft erscheint als ein Regime der Sprache und Wahrnehmung, dem die Literatur durch ihre formale Komplexität eine kritische Gegenwahrnehmung entgegensetzt.

➙ Zum Artikel

Die Bretagne beginnt im Kopf: Hommage an Jack Kerouac von Pierre Adrian

16.05.2626.04.26

Pierre Adrians „Le rêve inachevé de Jack Kerouac“ (2026) rekonstruiert und überformt die gescheiterte Bretagne-Reise von Jack Kerouac (1965) zu einem doppelten Bewegungsmodell aus literarischer Pilgerschaft und Selbstsuche: Ausgehend von Kerouacs genealogischer Obsession – der Rückkehr zu einem bretonischen Ursprung, der sich als unerreichbar erweist – konstruiert Adrian eine assoziativ strukturierte, intertextuell dichte Reiseerzählung, die Brest als melancholischen Resonanzraum zwischen amerikanischer Beat-Ästhetik und bretonischer Kultur imaginiert; das „unvollendete“ Satori fungiert dabei als Leitmotiv einer Poetik des Scheiterns, in der gerade die verfehlte Erleuchtung produktiv wird. Der Aufsatz arbeitet heraus, dass Adrians Text weniger dokumentarische Rekonstruktion als Fortschreibung von Kerouacs „Satori à Paris“ ist: Während Kerouacs spontane Prosa ein unmittelbares, desorientiertes Erleben protokolliert, erscheint Adrians Schreiben als reflektierter, zentripetaler Zugriff, der das historische Scheitern semantisch auflädt und in ein elegisches Narrativ überführt. So wird die strukturelle Parallelität von genealogischer Suche und existenzieller Entwurzelung herausgearbeitet und Brest als Topos einer „wartenden Möglichkeit“ gelesen; die Interpretation verfolgt die These, dass Identität hier nicht genealogisch, sondern literarisch erzeugt wird („terre sans aïeux“). Eine gewisse Tendenz zur Mythisierung bleibt jedoch erkennbar: Die Deutung affirmiert Adrians Lesart, was freilich die Brüche und Ironien bei Kerouac zugunsten einer kohärenten Sinnfigur des Scheiterns pointiert. Insgesamt zeigt die Interpretation von Adrians Transformation eines biografischen Fehlschlags in einen literarischen Mythos und macht plausibel, dass Adrian weniger Kerouac erklärt als dessen Unabschließbarkeit produktiv weiterschreibt.

➙ Zum Artikel

Das Zweistromland zwischen archaischer Mythologie, imperialer Gegenwart und postkolonialer Schuld: Olivier Guez

22.04.2622.04.26

Olivier Guez’ „Mesopotamia“ (Grasset, 2024, dt. „Die Welt in ihren Händen“, Kiepenheuer & Witsch, 2026) rekonstruiert in Form einer historiografischen Fiktion das Leben der britischen Archäologin und Kolonialbeamtin Gertrude Bell als Knotenpunkt zweier ineinandergreifender Narrative: der Emanzipationsgeschichte einer außergewöhnlichen Frau und der gewaltsamen Genese des modernen Irak im Kontext des britischen Imperialismus nach dem Ersten Weltkrieg. Der Roman verfolgt Bells Weg von der wissenschaftlichen Erschließung Mesopotamiens bis zu ihrer maßgeblichen Rolle bei der politischen Neuordnung der Region, wobei historische Akteure wie T. E. Lawrence, Winston Churchill und Faisal I. in ein dichtes Geflecht aus Diplomatie, Mythologie und Machtpolitik eingebunden werden. Zentral ist dabei die poetische Konstruktion Mesopotamiens als Palimpsest, in dem sich archaische Zivilisationen (Sumer, Babylon) und moderne Kolonialinteressen überlagern; diese Tiefenschichtung fungiert zugleich als ideologische Matrix imperialer Legitimation und als ironische Brechung ihrer Hybris. Die Interpretation arbeitet heraus, dass Guez’ eigentliches Argument in der strukturellen Analogie von Archäologie und Kolonialherrschaft liegt: Beide operieren als Formen epistemischer Aneignung, die Wissen in Macht übersetzen und so politische Ordnungen hervorbringen, deren Fragilität im postkolonialen Epilog – vom Sturz der Monarchie bis zu den Kriegen des 20. und 21. Jahrhunderts – evident wird. Die zyklische Zeitstruktur und die mythische Übercodierung werden als narrative Strategien gedeutet, die das britische Projekt als nur eine Episode in einer longue durée imperialer Wiederholungen erscheinen lassen; dabei wird die Tendenz betont, die französisch-britische Rivalität primär als Spiegelstruktur zu lesen. Insgesamt zeigt die Rezension, wie Guez Bell als tragische Figur zwischen Erkenntnis und Komplizenschaft inszeniert und damit eine fundamentale Kritik an der Illusion imperialer Gestaltungsmacht formuliert.

➙ Zum Artikel

Gesang im Chaos: Apokalypse, Nomadentum und Widerstand bei Mathieu Belezi

22.04.26

Mathieu Belezis „Cantique du chaos“ entwirft eine nachapokalyptische Welt, die aus einem biblisch überhöhten Sintflutereignis hervorgegangen ist und deren politische wie existenzielle Ordnung von Gewalt, Leere und Entwurzelung geprägt ist: Im Zentrum steht der alternde Desperado Théo Gracques, der nach einem gescheiterten Rückzug als Eremit mit Chloé und deren Kindern quer durch das zerstörte Europa und Amerika flieht, während sich seine Gegenwart unablässig mit den lyrisch verdichteten Erinnerungen an die verlorene Liebe Léonore und den Tod des gemeinsamen Kindes verschränkt; nach weiteren Verlusten und zunehmendem körperlichen Verfall endet seine Bewegung im Stillstand am Orinoco, wo er stirbt und sein letztes Gedicht einer jungen Frau überlässt, die es memorierend bewahrt. Der Aufsatz liest diesen Handlungsbogen als dreifach strukturierte Poetik – zwischen Road Novel, Epos und Lyrikzyklus –, in der das Unterwegssein zugleich räumliche Bewegung, Erinnerungsarbeit und Sterbeprozess ist, und arbeitet präzise heraus, wie Belezi durch die Verschränkung eines mythischen Eingangsgesangs, prosaischer Fluchtkapitel und poetischer Tagebucheinträge eine „Poetik des Endes“ etabliert: Schreiben erscheint hier nicht als Repräsentation von Welt, sondern als letzte autonome Handlung in einer Welt ohne Alternativen. Die gattungshybride Form wird hierbei als Antwort auf die dargestellte Katastrophe gedeutet – die barocke Sprachfülle gegen die Leere der verwüsteten Welt, die lyrische Zeitenthobenheit gegen die Linearität des Verfalls, die weiblichen Figuren als Trägerinnen von Handlung und Überlieferung gegen den erschöpften männlichen Erzähler. Indem sie diese formalen und thematischen Linien engführt, zeigt die Rezension den Roman nicht nur als dystopische Erzählung, sondern als Reflexion über die Bedingungen von Literatur selbst: Das „Cantique“ wird zur letzten, prekär fortbestehenden Form von Sinnstiftung im Angesicht totaler Desintegration.

➙ Zum Artikel