Lektüren und Texte

23.02.2302.11.20 von Kai Nonnenmacher

zur französischen Literatur der Gegenwart
(mit Kurzauszügen in eigener Übersetzung)
von Kai Nonnenmacher

La rentrée littéraire […] désigne une période commerciale concentrant un grand nombre de parutions de nouveaux livres (tous genres confondus) et qui a lieu chaque année entre fin août et début novembre. ¹
Wikipédia

La rentrée littéraire, ça embête tout le monde, mais on s’y soumet. ²
François Taillandier

Traduction automatique du site

Reference / Zitiervorschlag

Nonnenmacher, Kai. "Lektüren und Texte." Rentrée littéraire: französische Literatur der Gegenwart. 2020. Accessed on Februar 15, 2026 at 04:57. https://rentree.de/2020/11/02/lektueren-und-texte/.

Kai Nonnenmacher

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Anmerkungen

Der französische Bücherherbst […] ist eine Geschäftsperiode mit einer großen Anzahl neu erscheinender Bücher (aller unterschiedlichen Genres), die jedes Jahr zwischen Ende August und Anfang November stattfindet.>>>
Der Bücherherbst, das nervt uns alle, aber wir alle unterwerfen uns dem.>>>

Neue Artikel und Besprechungen

Jean-Luc Lagarce, der Abwesende: biographische Fiktion als Metatheater bei Charles Salles

Isis in Montmartre: Gérard de Nerval als Patient und Prophet bei Diane Morel

Zwischen Herkunft und Aufstieg: Romane des Klassenwechsels bei Moraton, Robin und Sizun

Der perfekte Mord als Chimäre: Julie Wolkensteins Spiel mit Wahrheit und Macht

Der schleichende Einzug des Faschismus in Frankreich: Nathalie Quintane

1966 oder die Geburt unserer Gegenwart: Antoine Compagnon

Jean-Luc Lagarce, der Abwesende: biographische Fiktion als Metatheater bei Charles Salles
Die zeitgenössische französische Literatur und das Theater haben in Jean-Luc Lagarce eine Figur gefunden, deren Bedeutung weit über ihren frühen Tod im Jahr 1995 hinausgewachsen ist. Lagarce, der zu Lebzeiten oft am Rande des etablierten Kulturbetriebs agierte und sich zeitlebens mit finanziellen sowie institutionellen Hürden konfrontiert sah, hat sich postum zu einem der meistgespielten Dramatiker Frankreichs entwickelt. Dreißig Jahre nach seinem Ableben unternimmt der Autor Charles Salles mit seinem Roman "Lagarce, fiction", erschienen im August 2025 bei der Table Ronde in der Kollektion Vermillon, den Versuch, diese vielschichtige Persönlichkeit fiktional zu rekonstruieren. Salles, der zuvor mit seinem vielbeachteten Erstling "Alain Pacadis, Face B" (2023) einen anderen "Meteoriten" der Pariser Kulturlandschaft porträtierte, wechselt in seinem zweiten Werk die Perspektive vom Sozialen zum Intimen, ohne dabei den scharfen Blick für die soziopolitischen Koordinaten der Epoche zu verlieren. Der vorliegende Bericht analysiert das Leben und Werk von Jean-Luc Lagarce, bettet es in den narrativen Rahmen von Charles Salles ein und stellt die wesentlichen Bezüge zwischen dem Dramatiker und dem Werk seines Biografen her.
Isis in Montmartre: Gérard de Nerval als Patient und Prophet bei Diane Morel
Diane Morels "Le Mystère Nerval" (Fayard, 2024) setzt 1841 an: Gérard de Nerval wird blutverschmiert in die Klinik von Dr. Blanche eingeliefert, besessen von der Vorstellung, eine „Isis“ sei tot. Aus dieser Szene entwickelt sich eine doppelbödige Erzählung, die Kriminalintrige und Dichterporträt verschränkt. Der junge Mediziner Émile Blanche ermittelt im literarischen Paris zwischen Gautier, Houssaye und dem radikalen Petrus Borel, stößt auf die ermordete Journalistin Flore – und auf eine politische Verschwörung gegen die Juli-Monarchie. Doch die eigentliche Dynamik liegt tiefer: Morel montiert Nervals Motive – die „schwarze Sonne der Melancholie“ aus dem Sonett "El Desdichado", das Doppelgänger-Motiv aus "Aurélia", die Landschaften des Valois aus "Sylvie", die ägyptische Isis als Chiffre des "ewigen Weiblichen" – in die Struktur der Handlung ein. Der chaotische Schreibprozess, visualisiert als Teppich aus hunderten Zetteln, wird zum poetologischen Programm: Fragment, Traum und Vision sind keine Symptome, sondern Erkenntnisformen. Selbst die therapeutische Szene, in der Nervals eigene "Faust"-Übersetzung ihn aus der Katatonie löst, inszeniert Literatur als Gegenmacht zur klinischen Rationalität. - Die Rezension liest diesen Roman nicht nur als historischen Krimi, sondern zugleich als poetische Versuchsanordnung: Morel verteidigt Nervals „Wahnsinn“ gegen den Zugriff des Positivismus, indem sie dessen innere Logik ernst nimmt. Die Kriminalhandlung der Bio-Fiktion spiegelt Nervals Obsession mit der „Morte amoureuse“, Flore wird zur irdischen Erscheinung jener Isis, die in Nervals Werk Muttergöttin, Geliebte und verlorene Einheit zugleich ist. Traum und Realität durchdringen einander, bis am Ende in den Ruinen von Chaalis – einem Topos aus "Sylvie" – die reale Tote und die mythische Loreley ineinander überblenden. So entsteht das Bild eines Dichters, dessen Zerrissenheit nicht pathologisiert, sondern als ästhetische Radikalität begriffen wird. Morels Roman erscheint in dieser Lesart als Plädoyer für eine Poetik des Unsteten: gegen die „Ordnung“ der Klinik setzt er die produktive Unordnung der Imagination – und macht Nervals Satz vom Traum als „zweitem Leben“ zum erzählerischen Prinzip.
Zwischen Herkunft und Aufstieg: Romane des Klassenwechsels bei Moraton, Robin und Sizun
Der Artikel stellt drei französische Romane ins Zentrum, die soziale Mobilität aus unterschiedlichen Perspektiven literarisch gestalten: Gilles Moratons „Transfuge“ (Nadeau, 2025), Patrice Robins „Le Visage tout bleu“ (P.O.L., 2022) und Marie Sizuns „10, villa Gagliardini“ (Arléa, 2024). Robin erzählt aus autobiographischer Nähe den Bildungsaufstieg eines Jungen aus einem ländlich-handwerklichen Milieu, dessen beinahe tödliche Geburt und die harte Arbeitswelt der Eltern die soziale Ausgangslage prägen; der Weg in die intellektuelle Sphäre bleibt dabei von Schuldgefühl und körperlich eingeschriebener Herkunft begleitet. Moraton schildert den Werdegang eines Protagonisten aus kleinbürgerlichen oder proletarischen Verhältnissen, der sich über schulische Institutionen Zugang zur kulturellen Elite verschafft, jedoch als „Überläufer“ zwischen den Klassen verharrt und die eigene Metamorphose schonungslos analysiert. Sizun wiederum rekonstruiert die Kindheit eines Mädchens im Nachkriegsparis, das aus der Enge der „villa Gagliardini“ durch Bildung und Selbstdisziplin allmählich in eine andere soziale Sphäre hineinwächst; der Klassenwechsel erscheint hier als leise, innerfamiliäre Verschiebung, die eng mit weiblicher Selbstermächtigung verbunden ist. - Der Aufsatz argumentiert, dass diese drei Romane den Klassenwechsel nicht nur thematisch behandeln, sondern ihn als strukturelles Problem der Narration ausstellen. Im Zentrum steht die Figur des „transfuge“ als doppelt positioniertes Subjekt, das retrospektiv von einer Herkunft erzählt, die es verlassen hat, ohne sie je vollständig abstreifen zu können. Analysiert werden insbesondere die Spannung zwischen erzählendem und erzähltem Ich, das Sprachproblem des sozialen Registerwechsels, die Inszenierung von Bruch oder Kontinuität in der Zeitstruktur sowie die ethische Dimension der Figurenzeichnung. In der vergleichenden Lektüre der Romanschlüsse arbeitet die Rezension heraus, dass Robin auf eine versöhnliche Integration der Herkunft zielt, Moraton die dauerhafte Zwischenstellung betont und Sizun eine stille Form der inneren Kontinuität entwirft. So zeigt die Besprechung, dass Klassenwechsel als literarisches Motiv eine ästhetische und ethische Herausforderung darstellt, weil er Identität, Sprache und Erzählperspektive gleichermaßen in Bewegung versetzt.
Der perfekte Mord als Chimäre: Julie Wolkensteins Spiel mit Wahrheit und Macht
Julie Wolkensteins 2026 bei P.O.L. erschienener Roman „Chimère“ entfaltet sich während des ersten Lockdowns 2020 als raffinierte, polyphone Wiederaufnahme eines angeblich längst abgeschlossenen Falls: 1994 stürzte der manipulative Kunstsammler Osmond nach einer Vernissage in Rom in den Tod. In einem „falschen“ Kriminalroman, der weniger nach dem Täter als nach der Wahrheit fragt, rekonstruieren fünf Frauen – Tante, Schwester, Freundin, Komplizin und Witwe – aus unterschiedlichen medialen und sprachlichen Perspektiven das Leben eines Mannes, dessen psychische Unterwerfung („emprise“) ihre Biografien deformiert hat. Intertextuell eng an Henry James’ „The Portrait of a Lady“ angelehnt und zugleich durch das naturwissenschaftliche Paradox des Mikrochimärismus strukturiert, verbindet der Roman Familienuntersuchung, Genderreflexion im Licht von #MeToo und kriminalistische Spannung zu einer „chimärischen“ Poetik der Identität. Die Rezension liest „Chimère“ als Wendepunkt in Wolkensteins Werk: als Rückkehr zur Fiktion nach autobiografischen Büchern, als Hommage an James und als virtuos konstruiertes Spiel mit Wahrheit, Erinnerung und Befreiung – ein Roman, der zeigt, dass jede Enthüllung zugleich Projektion bleibt und dass selbst der perfekte Mord nur im Medium des Erzählens seine Form gewinnt.
Der schleichende Einzug des Faschismus in Frankreich: Nathalie Quintane
Nathalie Quintanes "Soixante-dix fantômes (choses vues)" (La fabrique éditions, 2025) ist eine literarische Momentaufnahme des heutigen Frankreich, das sich – kaum merklich und doch unaufhaltsam – von demokratischer Normalität zu autoritären Routinen verschiebt. In 61 pointierten Miniaturen zeigt Quintane, wie sich rechtsextreme Einstellungen im Alltag einnisten: in beiläufigen Gesten, im Sprachgebrauch, in der Entmenschlichung der Schwächsten und in ästhetischen Rückgriffen, die reaktionäre Vergangenheit in die Gegenwart zurückholen. Der Untertitel verweist auf Victor Hugos "Choses vues", dessen republikanisches Aufstiegsnarrativ hier in sein Gegenteil verkehrt wird: Während Hugo politische Emanzipation protokollierte, registriert Quintane den demokratischen Verfall. Die Rezension betont diese bewusste Gegenlektüre zu Hugo und hebt hervor, wie Quintane Alltagsdetails als politische Frühwarnsignale liest, deren „Geister“ – historische und gegenwärtige – ein Klima der Angst, Lähmung und sozialen Kälte erzeugen. Damit erscheint das Buch als ein ebenso poetisches wie alarmierendes Protokoll einer Gesellschaft im Kippen, das den Leser auffordert, die unscheinbaren Zeichen einer autoritären Normalisierung nicht zu übersehen.
1966 oder die Geburt unserer Gegenwart: Antoine Compagnon
Antoine Compagnons "1966, année mirifique" (Gallimard, 2026) rekonstruiert das Jahr 1966 nicht als bloßen historischen Zeitpunkt, sondern als epistemologischen Wendepunkt der französischen Moderne. Ausgehend von Presse, Literatur, Theorie, Film, Alltagsobjekten und politischen Debatten zeigt Compagnon, wie sich in diesem Jahr langfristige Trends kreuzten: die Vermassung der Hochschulen, der Aufstieg der Jugend zur ökonomischen Klasse, der Durchbruch der Konsumgesellschaft, die Kanonisierung von Theorie und Strukturalismus sowie der Eintritt der Shoah in das französische kollektive Gedächtnis. Figuren wie Foucault, Barthes, Aragon, Malraux oder Sartre stehen dabei weniger als isolierte Genies im Zentrum, sondern als Symptomträger eines tiefgreifenden Wandels, in dem der Humanismus des 19. Jahrhunderts und der existenzialistische Sinnbegriff durch Systemdenken, Zeichenlogik und technokratische Rationalität ersetzt werden. 1966 erscheint so als eigentlicher Scheitelpunkt zwischen alter Ordnung und neuer Welt: Die Jugend wird über Konsum integriert, Kultur zur Ware, Theorie zur neuen Leitwährung der Intellektuellen, während die politischen Explosionen von 1968 bereits strukturell vorbereitet sind. Die Rezension liest Compagnons Buch als Genealogie unserer Gegenwart. Sie arbeitet seinen skeptischen Ton heraus, indem sie die von Compagnon beschriebene Massenexpansion der Bildung als Ursprung heutiger „Potemkin-Universitäten“ deutet, den Strukturalismus als ideologische Vorform einer algorithmisch verwalteten Welt interpretiert und die Jugendkultur von 1966 als Geburtsstunde des perfekten Konsumenten entlarvt. 1966 wird nicht nur erklärt, sondern moralisch befragt. Dabei arbeitet sie die innere Logik des Buches heraus – die Ersetzung von Sinn durch System, von Erfahrung durch Zeichen, mit einem Akzent auf Verlust, Entfremdung und Langzeitschäden. Kritisch reflektiert die Rezension zudem blinde Flecken des Buches, etwa die männlich dominierte Perspektive, die randständige Behandlung von Feminismus, Kolonialismus und Homosexuellenbewegung. Die Rezension macht deutlich, dass die „epistemologische Revolution“ von 1966 zwar brillant analysiert, aber sozial und politisch enger geführt wird, als es die Komplexität der Epoche erlauben sollte. Insgesamt liest die Rezension Compagnon weniger als Chronisten eines Wunderjahres denn als unbeabsichtigten Zeugen einer verhängnisvollen Weichenstellung.
Zwischen Rüstung und Riss: Virilität als Mythos, Männlichkeit als Erfahrung
Der Band "Masculinité" (Grasset, 2025) versammelt literarische Texte, Essays und Reflexionen, die Männlichkeit nicht als feste Identität, sondern als historisch belastetes und gegenwärtig brüchiges Feld sichtbar machen. Ausgangspunkt ist die Unterscheidung zwischen virilité und masculinité: Während Virilität das enge, normierende Ideal des harten, dominanten, unverwundbaren Mannes bezeichnet, zeigen die Beiträge die widersprüchlichen Erfahrungen realer Männer, die an diesen Erwartungen leiden oder an ihnen scheitern. Die Texte erzählen von Jungen, die früh in Rituale der Härte gezwungen werden, von Vätern, die Stärke weitergeben wollen und dabei Gewalt reproduzieren, von Körpern, die durch Arbeit, Sport, Beschneidung oder Migration geformt und gezeichnet sind, und von Männern, die zwischen kulturellen Modellen der Männlichkeit zerrieben werden. In der Einleitung diagnostiziert Dantzig Männlichkeit als historisch überladenes Machtkonstrukt, das zugleich privilegiert und deformiert und dessen dunkle Seiten – Dominanz, Gewalt, Zerstörung – nicht ausgeblendet werden dürfen. Die Präsentation von Habib-Rubinstein verschiebt diesen Befund in die literarische Praxis und liest den Band als Labor pluraler Stimmen, in dem keine neue Norm gesetzt, sondern Fragilität, Zweifel und Suchbewegungen sichtbar gemacht werden. So entsteht ein vielstimmiges Panorama einer Männlichkeit im Übergang: erschöpft vom Mythos der Virilität, offen für neue, unsichere und erzählbare Formen des Mannseins.
Eric Vuillard, die Wurzeln des Trumpismus und Versionen von Billy the Kid
Éric Vuillards "Les orphelins: une histoire de Billy the Kid. Récit" (Actes Sud, 2026) demontiert den Mythos Billy the Kid, indem der Roman die berühmte Figur nicht als romantischen Outlaw, sondern als beschädigtes, früh verlorenes Kind liest – als Waise im biografischen wie im historiografischen Sinne. Ausgehend von einem Gerichtsprotokoll über Billys ersten Mord zeigt Vuillard, wie offizielle Dokumente Gewalt verschleiern und Täter-Opfer-Verhältnisse verkehren. Die Forderung, „die Szene neu zu schreiben“, bedeutet keine Korrektur im Namen einer besseren Wahrheit, sondern eine ethische Umschrift: Billy erscheint als körperlich unterlegener Jugendlicher, der in Panik handelt. So wird Geschichte als ein Feld von Verzerrungen sichtbar, das Literatur nicht heilen, aber offenlegen kann. Der Récit verweigert lineares Erzählen, reduziert Schlachten und Heldentaten auf Randnotizen und konzentriert sich auf Lücken, Staub, Körper und Angst. Übrig bleibt kein Held, sondern ein Waise (orphelin): eine Figur ohne Herkunft, Besitz, Stimme oder Zukunft, die exemplarisch für all jene steht, die Geschichte erleiden, ohne sie schreiben zu dürfen. - Der Artikel liest Vuillards Text als wütende, bewusst parteiische Gegenpoetik zur offiziellen Geschichtsschreibung. Sie betont, dass Vuillard nicht rekonstruiert, sondern interveniert: durch die Konfrontation von Archivmaterial mit einer lyrisch zugespitzten Erzählerstimme, die Archive als Machtinstrumente entlarvt. Wahrheit entsteht hier nicht aus Faktentreue, sondern aus der Wucht des Zeugnisses und der Sichtbarmachung struktureller Gewalt. In dieser Perspektive wird Billy zum Vektor einer größeren Kritik: an der ästhetisierten Brutalität des amerikanischen Mythos, an der genealogischen Verbindung von Kapital, Staat und Gesetzlosigkeit, an der Illusion, Freiheit sei je unschuldig gewesen. Die Rezension versteht "Les orphelins" deshalb als Teil von Vuillards langfristigem Schreibprojekt in verschiedenen historischen Varianten – und Literatur als prekäre, aber notwendige Störung, die mit den Trümmern der Sprache gegen die falschen Erzählungen der Macht anschreibt.
Licht von toten Sternen: Georges Perecs Mutter bei Olivia Elkaim
Für ihre Annäherung an Georges Perecs Mutter Cécile wählt Olivia Elkaim in "La disparition des choses" (2026) das von André Schwarz-Bart entlehnte Motto „Nos yeux reçoivent la lumière d’étoiles mortes“ als poetisches Programm: Das, was uns heute erhellt, stammt von längst erloschenen Leben. Elkaims Buch rekonstruiert Céciles Weg vom Alltag einer jüdisch-polnischen Immigrantin und Friseurin in Belleville über die Trennung von ihrem fünfjährigen Sohn am Gare de Lyon bis zu Verhaftung, Drancy und Deportation nach Auschwitz. Parallel dazu verfolgt die Erzählerin ihre eigene Recherche in Archiven, Gesprächen mit Perecs Freunden und in den Texten des Schriftstellers selbst, dessen gesamtes Werk von der Leerstelle der Mutter durchzogen ist. Wo historische Dokumente fehlen, greift Elkaim zur Imagination: Sie erfindet Szenen, Gesten, Stimmen, um der „ewig Abwesenden“ Körper und Alltag zurückzugeben. So entsteht weniger eine Biografie als ein literarisches Mausoleum – ein Buch, das Cécile nicht faktisch wiederherstellt, aber ihr Nachleuchten sichtbar macht. - Der Artikel liest Elkaims Roman als Ergänzung und zugleich Korrektur von Perecs „obliquer“ Erinnerungspoetik, wie Philippe Lejeune dies nennt. Während Perec den Verlust formal verschlüsselte – durch Anagramme, Listen, Lipogramme und das Schreiben um eine Abwesenheit herum –, rückt Elkaim das menschliche Schicksal der Mutter ins Zentrum und ersetzt die Ästhetik des Mangels durch eine Poetik der zärtlichen Rekonstruktion. Die Rezension zeigt, wie das Buch zwischen Dokument und Fiktion vermittelt und gerade im Eingeständnis der Ungewissheit – kein Grab, kein Datum, nur ein „acte de disparition“ – seine ethische Stärke gewinnt. Erinnerung erscheint nicht als Besitz von Wahrheit, sondern als fortgesetzte Arbeit am schmerzlich Fehlenden.
Zwischen Akte und Körper: Literatur als Gegenraum der Justiz bei Laure Heinich
Laure Heinich, Pariser Strafverteidigerin und Essayistin, macht in ihren beiden Romanen die Justiz nicht zum Ort der Entscheidung, sondern zum Raum der Erfahrung. "Corps défendus" begleitete eine Anwältin, die im Fall der vergewaltigten und ermordeten Ève zwischen juristischer Technik, familiärem Schmerz und der Materialität von Spuren und Körpern steht; das Recht erscheint hier als Verfahren, das Gewalt rekonstruieren muss, um sie zu beurteilen, und dadurch selbst neue Verletzungen erzeugt. "Avant la peine" (2026) folgt dagegen einer jungen Richterin in den ersten Monaten am Gericht, wo sie lernt, dass es keine absolute Wahrheit gibt, sondern nur eine „vérité judiciaire“, ein prekäres Abwägen von Aussagen, Wahrscheinlichkeiten und Rollen – exemplarisch verdichtet im Fall einer mutmaßlichen Vergewaltigung, in dem Aussage gegen Aussage steht. Beide Bücher zeigen die Strafjustiz als überlasteten Apparat, der funktionieren muss, obwohl ihm Gewissheit fehlt, und der Menschen in Fälle, Akten und Funktionen verwandelt. – Die Rezension argumentiert, dass gerade die literarische Form sichtbar macht, was juristische Sachbücher nicht erfassen können: Affekte, Zweifel, körperliche Erschütterungen und das strukturelle Schweigen im Gerichtssaal. Indem sie die unterschiedlichen Poetiken – hier der introspektive Richterinnenblick, dort die szenisch-körperliche Anwaltsperspektive – kontrastiert, liest sie die Romane als komplementäre Untersuchungen desselben Systems: einmal von innen als Habitusbildung, einmal von außen als Konfrontation mit Gewalt und Trauma. So entsteht das Bild eines Rechts, das weder objektiv noch heilend ist, sondern ein permanentes moralisches Ringen bleibt. Die Rezension versteht Heinichs Literatur daher als Gegenort der Justiz: als Raum, in dem das Unsagbare erzählbar wird und die Grenzen von Wahrheit, Strafe und Gerechtigkeit erfahrbar werden.
Einsamkeit des Freien Mitarbeiters: Tahar Ben Jelloun
Tahar Ben Jellouns "Pigiste au Monde" (Gallimard, 2026) liest sich wie ein Gang durch die Korridore einer mächtigen Zeitung – und zugleich wie das Protokoll einer langen, nie ganz gesicherten Zugehörigkeit. Aus fast vier Jahrzehnten freier Mitarbeit bei Le Monde formt Ben Jelloun kein Heldennarrativ, sondern das Bild eines Lebens „à la pige“, geprägt von Anerkennung und Austauschbarkeit zugleich. Der Pigist wird zur emblematischen Figur struktureller Prekarität: präsent im Zentrum kultureller Macht, aber ohne festen Ort darin. Le Monde erscheint dabei als ambivalentes Gebilde – demokratische Institution und soziales Mikrosystem zugleich –, durchzogen von Ritualen, Rivalitäten und stillen Hierarchien. Anschaulich schildert Ben Jelloun Redaktionsszenen, literarische Mittagessen, Machtspiele und Loyalitäten, während er seinen eigenen Weg vom Alphabetisierungslehrer zum publizierenden Intellektuellen nachzeichnet, stets begleitet von körperlicher Anspannung und existenzieller Unsicherheit. Seine Reportagen führen in Grenzräume: zu nordafrikanischen Arbeitern in den Banlieues, nach Mekka, in den Nahen Osten kurz vor politischen Verhärtungen. Dort schreibt er nicht als distanzierter Beobachter, sondern als Beteiligter und Zeuge – mit einer Haltung, die Objektivität als Genauigkeit und Ehrlichkeit versteht, nicht als Neutralisierung. Im letzten Drittel verdichtet sich das Buch zur Reflexion über Zugehörigkeit und Verrat: Ben Jellouns arabisch-muslimische Herkunft öffnet ihm Türen, macht ihn aber zugleich angreifbar. Diffamierungen nach der Mekka-Reportage, politische Interventionen, innerredaktionelle Abwehr und Konkurrenz unter maghrebinischen Autoren zeigen, wie brüchig seine Position bleibt. Immer wieder wird er gebraucht, selten vollständig anerkannt. Aus dieser Spannung entwickelt Ben Jelloun sein zentrales Argument: Schreiben ist für ihn der einzige verlässliche Ort der Zugehörigkeit – ein Raum zwischen Journalismus und Literatur, in dem Erfahrung, Empathie und Kritik zusammenkommen. "Pigiste au Monde" ist so ein eindringliches Porträt intellektueller Einsamkeit und ein Plädoyer für einen Journalismus, der sich seiner Macht bewusst ist und sie nicht verleugnet.
Drei letzte Menschen: Bildung nach der Zivilisation bei Sacha Bertrand
Sacha Bertrands Roman „11:02h, le vent se lève“ entwirft das Bild einer Welt, in der die Zivilisation als „erstickter Kadaver“ unter dem giftigen Nebel des „Amer“ begraben liegt. Inmitten eines unerbittlichen Bergmassivs, das als „gigantische Insel“ aus scharfen Felsen isoliert ist, führt die ehemalige Bibliothekarin Myriam ein Leben in absoluter Erstarrung, symbolisiert durch eine Uhr, die dauerhaft 11:02 Uhr anzeigt. Diese Einsamkeit endet, als sie Jonas einfängt, ein „erdiges“ Wesen purer Instinkte, das sie mit Gewalt und Sprache nach ihrem Ebenbild zu formen versucht, um das Tier in ihm einzuschläfern. Die mühsam konstruierte Sicherheit ihres „geordneten Gartens“ kollidiert jedoch mit dem Auftauchen eines Unbekannten, dessen gewaltsamer Tod Jonas die Augen für Myriams paranoiden Kontrollzwang öffnet und ihn schließlich zur Flucht in ein unkartiertes „Anderswo“ bewegt. Die Rezension argumentiert, dass Bertrands Erstlingswerk die Grenzen der klassischen Dystopie sprengt, indem es das Grauen nicht in einem totalitären System, sondern im „Verschwinden gemeinsamer Bedeutungshorizonte“ ansiedelt. Der Text wird als kritische Variation der Robinsonade gedeutet, in der technisches Geschick und Disziplin nicht zur Freiheit, sondern in ein beklemmendes Machtgefüge aus Abhängigkeit und psychischer Enge führen. Ein wesentliches Argument der Analyse betrifft die Landschaft, die nicht als romantische Kulisse, sondern als „widerständige Instanz“ fungiert, die dem Menschen jegliche metaphysische Deutung verweigert und ihn auf seine nackte Körperlichkeit zurückwirft. Letztlich zeigt die Kritik auf, dass Menschlichkeit in dieser Welt nur durch eine „Ethik ohne Hoffnung“ bewahrt werden kann.

Wenn man sagt, dass man nichts mehr sagen kann
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Sprache von Phrasen und leeren Wörtern befreien
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Diese kaum entworfenen Geschöpfe der Maler
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Proust selbst auf einem alten, knisternden Grammophon
Les mondes mettent longtemps à mourir, plus encore à disparaître tout […]
Die Zeit mit den Materialien der Zeit reparieren
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